Bagaimana Amazon avant-garde Rusia menakluki Paris dan seterusnya: Natalia Goncharova

2024 Pengarang: Richard Flannagan | [email protected]. Diubah suai terakhir: 2023-12-16 00:13

Natalia Goncharova adalah artis, pereka dan penulis Rusia yang luar biasa. Dia menjadi terkenal di seluruh dunia berkat karya-karyanya yang terang, berair dan luar biasa yang menggabungkan beberapa gaya: dari Fauvism dan Cubism hingga Futurism dan Art Nouveau. Dia juga terkenal dengan kostum dan set untuk balet dan teater, yang sangat menyerlahkan dalam reka bentuk dan reka bentuk mereka yang tidak biasa pada masa itu.

Selama dua dekad pertama abad ke-20, seni Rusia menyerap gaya baru dan falsafah seni Eropah Barat dan bergerak ke barisan hadapan budaya. Goncharova dan suaminya Mikhail Larionov, dengan kerja dan usaha mereka untuk mengadakan pameran dan pasukan kreatif, berada di pusat revolusi seni ini, yang mendahului dan menyertai pergolakan politik di negara ini.

Natalia dilahirkan di Nagaevo di Rusia Tengah. Keluarga Goncharov kehilangan kekayaan berdasarkan pengeluaran rami pada akhir abad ke-18. Penyair terkenal Pushkin mengahwini salah seorang nenek moyangnya, Natalia Goncharova, setelah dia dinamakan. Ayahnya adalah seorang arkitek. Keluarga ibu Natalia, keluarga Belyaev, melahirkan beberapa imam dan dikenali sebagai pelindung muzik.

Pada tahun-tahun awalnya, Natalya menghadiri gimnasium di Moscow. Dan pada usia yang lebih sedar, setelah memutuskan untuk menjadi seniman, dia memasuki Sekolah Lukisan, Patung dan Senibina (Moscow), di mana dia belajar patung dengan Pavel Trubetskoy, yang bekerja dengan gaya Auguste Rodin. Dia meninggalkan kuliah tiga tahun kemudian, walaupun memenangi pingat perak dan tidak menyelesaikan tempoh pengajian selama sepuluh tahun untuk kurikulum. Ini bertepatan dengan penerimaan lukisan sebagai medium ekspresi pilihannya.

1. Kerjaya dan suami

Menjelang tahun 1900, Goncharova bertemu dengan bakal suaminya, Mikhail Larionov. Dia juga pergi ke kuliah, tetapi jurusan lukisan. Keputusannya untuk mengambil lukisan disokong oleh Mikhail, minatnya untuk bermain cahaya dan harmoni warna pada masa akan datang menjadi ciri khas artis.

Seperti banyak seniman Rusia pada zamannya, beberapa tahun pertama abad kedua puluh adalah zaman perkenalan dan penerimaan gaya yang berkembang di ibu kota Eropah Barat. Pada waktu itu, dia tertarik pada Impresionisme dan Divisionisme, gaya yang masing-masing berkaitan dengan Monet dan Seurat. Kedua-dua gaya tersebut tidak menekankan pada gambar benda padat, tetapi penangkapan cahaya (warna) yang dipantulkan dari objek ke mata. Akibatnya, lukisan biasanya longgar, dan penekanan diberikan pada warna dan juga cat. Ini menyebabkan kesadaran akan cat, sapuan kuas, tekstur, dan lukisan di atas kanvas. Kedua gaya ini penting untuk membebaskan seni dari watak yang semata-mata mewakili. Artis mula menyedari bahawa seni adalah ekspresi estetik, yang diilhamkan oleh penampilan dunia fizikal, tetapi tidak bergantung padanya.

Dulu, impreserio Diaghilev balet Rusia yang hebat mengatur penyertaan koleksi lukisan oleh Goncharova dan Larionov di bahagian Salon Musim Gugur di Paris. Kemasukan mereka dalam pameran tahunan seni radikal baru yang baru ditubuhkan (pada tahun yang sama 1906, kumpulan pertama Fauves dipersembahkan di sana) memberi kesaksian bahawa kedua-dua seniman dianggap sebagai model kecenderungan Avant-garde di negara mereka. Selama sembilan tahun ke depan, sebelum dia berhijrah dari Rusia, Natalia mengambil bahagian dalam beberapa pameran penting, yang banyak dianjurkan oleh dia dan Mikhail. Selama periode ini, dia juga dipersembahkan pada pameran Post-Impresionis 1912 yang dianjurkan oleh Roger Fry di Galeri Grafton di London, serta pada pameran peribadi di Moscow dan St Petersburg, dan pada pameran di Galeri Paul Guillaume di Paris dengan katalog pengkritik terkenal Apollinaire.

2. Gaya daerah

Separuh abad yang menjelang permulaan perang adalah masa perkembangan pesat seni rupa di Rusia. Natalia berada di barisan hadapan gerakan ini.

Anehnya, tiga arah yang berbeda secara bersamaan ditunjukkan dalam karyanya: regionalisme, neo-primitivisme dan cubo-futurisme.

Yang pertama adalah gaya asli yang dikandung oleh Mikhail dan diteliti secara mendalam oleh Natalia.

Districtism pada masa itu merupakan salah satu gaya abstrak sepenuhnya dalam seni Barat. Seperti Impresionisme, regionalisme tertumpu pada sinar cahaya yang dipantulkan dari objek. Ruang dalam gambar yang berseri tidak dapat diukur, tetapi merupakan atmosfer yang dibebankan dengan tenaga dari sebilangan sinar cahaya yang tidak terbatas, baik secara langsung dari matahari, atau, kemungkinan besar, sinar yang memantulkan bolak-balik dari objek fizikal di sekelilingnya. Prinsip panduan adalah estetik semata-mata kerana warna dipilih untuk keharmonian atau kesan visualnya.

Selama lebih dari tiga dekad, para seniman terpesona dengan idea mencipta seni bukan kiasan berdasarkan orkestrasi warna. Sekiranya muzik benar-benar abstrak dan, pada masa yang sama, sangat ekspresif, maka tidak boleh ada seni menggunakan warna (bukan suara) yang sama abstrak dan ekspresif.

Daripada bentuk terpecah-pecah yang saling berkaitan yang terdapat dalam Kubisme, siri Cats didasarkan pada corak warna yang panjang dan memotong. Distrikisme adalah gaya jangka pendek yang berakhir pada tahun 1914. Franz Marc, yang dikaitkan dengan Munich Blaue Reiter (dengan siapa Natalia mempamerkan dua tahun sebelumnya), mengagumi karyanya dan menulis dengan cara yang diilhami oleh daerah, mungkin kerana pengaruhnya.

3. Gaya primitivisme

Tidak terkawal dan gelisah, mencari inspirasi baru, dia juga sangat bergantung pada pelukis Kubis awal seperti Pablo Picasso untuk beberapa waktu. Tahap dalam karyanya berlangsung selama beberapa tahun dan meliputi lukisannya, yang diilhami oleh tradisi Rusia.

Tetapi ilustrasinya untuk beberapa buku puisi oleh Velimir Khlebnikov dan Alexei Kruchenykh menunjukkan kesetiaannya kepada bentuk seni kuno Rusia seperti ikon, lukisan dinding keagamaan, dan potongan kayu. Pada tahun 1913, dia secara dramatis menyatakan bahwa dia berpaling dari Barat, memberikan simpati kepada Timur.

Pada salah satu pameran awalnya, lukisan primitivis dan kubis dipersembahkan, dan pada pameran kemudian, yang dianjurkan oleh suaminya, lebih daripada lima puluh karya Natalia dipamerkan. Dia mendapat inspirasi untuk primitivisme dari ikon dan seni rakyat Rusia, atau dikenali sebagai cetakan popular. Pameran kedua, kemudian disusun sebagai rehat yang disengaja dengan pengaruh seni Eropah dan penciptaan sekolah seni kontemporari Rusia yang bebas. Acara itu ternyata kontroversial, dan sensor menyita karya tematik agama Natalia "Evangelists", menganggapnya menghujat untuk memaparkannya di pameran yang disebut "The Donkey's Tail". Natalia dan Mikhail telah lama dianiaya kerana karya mereka dan cara mereka menyatakan diri. Tetapi bahkan dalam karya-karya Natalia yang kemudian, pengaruh futurisme Rusia dapat dilihat. Pada mulanya terpesona dengan lukisan ikon dan primitivisme seni rakyat etnik Rusia, Natalia mendapat kemasyhuran di Rusia kerana karya futuristiknya (salah satunya adalah lukisan yang disebut The Cyclist).

Natalia dan Mikhail, melukis wajah mereka dengan hieroglif dan bunga, berjalan di jalan sebagai bagian dari gerakan seni primitif. Natalia sendiri dari semasa ke semasa tidak takut untuk tampil di depan umum dengan keadaan separuh bogel dengan simbol di dadanya. Sebagai pemimpin futuris Moscow, mereka mengadakan malam kuliah provokatif dengan cara yang sama dengan rakan sejawatannya dari Itali. Di samping itu, Natalia menulis dan menggambarkan beberapa buku avant-garde.

Natalia telah menjadi ahli kumpulan avant-garde Blue Rider sejak hari pertama penubuhannya (1911). Empat tahun kemudian, dia mengambil pengembangan kostum balet dan set di Geneva. Dan tidak lama kemudian, dia mulai mengerjakan beberapa sketsa untuk balet Diaghilev, tetapi, sayangnya, balet itu tidak pernah disedari.

Beberapa tahun kemudian dia berpindah ke Paris, di mana dia membuat sejumlah set untuk balet Rusia Diaghilev. Dia juga membuat pameran di Salon d'Automne dan kerap berpartisipasi di Salon des Tuileries dan Salon of Independent.

Natalia dan Mikhail bekerjasama dalam empat acara amal di Moscow. Mereka berdua mengembangkan sebahagian besar bahan promosi untuk acara tersebut.

4. Gaya neo-primitivisme

Selari dengan Rayonisme, Natalia menulis dengan gaya yang kini disebut neo-primitivisme. Ini adalah fenomena yang sebelumnya berlaku di Perancis dan di tempat lain dan nampaknya berkaitan dengan perubahan aspirasi politik, sosial dan budaya. Dikombinasikan dengan pendemokrasian pemikiran politik dan sosial, seringkali ada kecenderungan untuk mencoba menemukan watak budaya nasional yang lebih mendalam dengan beralih kepada seni tradisional atau seni petani untuk mendapatkan inspirasi. Oleh kerana latar belakang gerejanya keluarganya dan fakta bahawa dia menghabiskan masa mudanya tinggal di sebuah kawasan desa, Natalia akan tertarik pada seni agama dan seni tradisional sebagai bagian dari pengalaman formatifnya dan sebagai seni visual rakan-rakannya. Ini adalah masa ketika inteligensia mulai melihat ikon (gambar liturgi Rusia) sebagai warisan budaya nasional yang penting. Pameran ikon Romanov yang hebat mengasyikkan banyak orang yang sensitif secara estetik.

Natalia telah menulis mengenai tema keagamaan selama beberapa tahun, merasakan bahawa makna dan makna ikon yang sangat beragama adalah salah satu tujuan terpenting yang dapat ditangkap oleh seorang seniman dalam karyanya. Warna yang kaya, kesan hiasan yang mempesonakan, dan sifat ikon yang sangat formal dan bergaya telah memberi inspirasi kepadanya untuk bekerja.

Ini menyebabkan dia terpaksa menggunakan cara yang tidak berkaitan dengan amalan akademik. Selain menekankan pada kualiti hiasan yang rata, kadang-kadang cat kelihatan berselerak di permukaan atau digunakan dengan cepat untuk kesan spontan. Daya tarikan dan kenaifan, yang sebelumnya dinyanyikan dalam lukisan Henri Rousseau, muncul dalam karya seniman Rusia dan, yang sangat penting baginya, dipinjam dari sumber tempatan.

5. Gaya cubo-futurisme

Antara tahun 1913 dan 1914, Cubo-Futurism, aspek gaya Kubisme dan Futurisme moden ketika itu, muncul dalam lukisan Natalia. Kubisme dikenali oleh seniman Rusia melalui penerbitan, pameran dan koleksi seperti koleksi Morozov dan Shchukin. Kubisme tidak jelas terhadap warna yang mendukung rasa baru struktur-fragmentasi dan kohesi bentuk, menghasilkan komposisi bernyawa yang seragam di mana hubungan sosok / tanah dihilangkan.

Futurisme Itali juga memiliki pengikut di Rusia pada tahun-tahun sebelum Perang Dunia Pertama.

Futurismanya, seperti orang Itali, penuh dengan warna. Sensasi pergerakan disebabkan oleh pengulangan angka atau garis yang berirama. Penyertaan kata-kata berwarna atau serpihan kata seolah-olah berasal dari tanda-tanda dan bahagian persekitaran yang dilalui orang itu, selanjutnya menyumbang kepada persepsi ini. Gelombang suara juga disiratkan oleh kesan berirama dan kadang-kadang dengan penggunaan notasi muzik.

6. Tahun-tahun terakhir kehidupan

Natalia menghabiskan sepanjang hidupnya di Paris, diakui sebagai anggota penting dalam komuniti seni di bandar ini. Dia terus melukis, tetapi karyanya yang paling terkenal adalah bidang reka bentuk panggung. Di kawasan ini, dia dan Michael menjadi bintang dunia. Natalia semakin mengenal pasti kerjanya dengan Perancis. Pada tahun 1936, dia dan Mikhail mengambil bahagian dalam pertandingan seni teater antarabangsa penting yang diadakan di Milan. Mereka lebih suka mempamerkan karya mereka di bahagian Perancis daripada bahagian Soviet, dan ketika mereka memenangi pingat perak, Perancislah yang menghampiri mereka.

Selepas pencerobohan Perancis oleh Adolf Hitler pada musim bunga tahun 1940, Natalia dan Mikhail mendapati diri mereka berada di bawah penjajahan Jerman. Dalam tahun-tahun sukar yang diikuti, mereka berdua berjaya meneruskan karier di teater. Kemudian, pameran lukisan bias mereka di Paris mengingatkan orang ramai tentang peranan penting mereka dalam pengembangan seni kontemporari pada awal abad ini. Seperti yang dikatakan oleh beberapa orang, kedua seniman itu dengan sengaja mengungguli sebagian karya mereka, kadang-kadang lebih dari satu dekad, untuk mengukuhkan reputasi mereka sebagai seniman perintis.

Mikhail mengalami strok, dan keadaan kewangan pasangan, yang tidak pernah begitu selesa, menjadi semakin tidak menentu. Mereka bertahan sebahagiannya dengan menjual lukisan awal mereka. Natalia juga menderita banyak penyakit fizikal, termasuk bentuk artritis yang teruk, yang menjadikannya mustahil untuk dilakukan. Terus menunjukkan dedikasinya terhadap pekerjaan itu, dia meletakkan kanvas di depannya dalam posisi yang rata untuk terus memanipulasi kuas.

Natalia membuat percubaan terakhirnya dalam reka bentuk teater pada tahun 57. Itu terdiri dari kostum dan set untuk serangkaian balet di Monte Carlo. Setahun kemudian, dia mengadakan pameran terakhir lukisannya di Paris, menunjukkan sekitar dua puluh kanvas yang diilhami oleh pelancaran satelit angkasa Sputnik oleh Rusia.

Pasangan itu masih dilanda masalah kewangan. Hanya penjualan sebahagian besar perpustakaan dan karya pasangan suami isteri ke Muzium Victoria dan Albert di London yang membantu mengekalkan keselesaan mereka.

Natalia meninggal kerana barah di Paris. Pada batu nisannya ditulis dengan ringkas bahawa dia adalah seorang seniman dan pelukis. Kematian Mikhail berlaku tidak lama kemudian. Dia dikuburkan di sebelahnya dengan tulisan yang sama di batu nisannya.

Meneruskan tema lukisan - enam pemimpin dunia yang menjadi terkenal bukan sahaja dalam politikdan juga dalam bidang seni.