Siapa Rodin Benar-benar Menciptakan "The Thinker" atau "The Mourner": Makna Sebenar Karya Seni Terkenal

2024 Pengarang: Richard Flannagan | [email protected]. Diubah suai terakhir: 2023-12-16 00:13

Sesiapa sahaja dapat mengetahui bahawa topik kesedihan sangat digemari oleh para artis. Dan selalunya orang moden bahkan tidak mengetahui mengenai sejarah asal usul beberapa lukisan atau patung dan makna sebenarnya.

"Potret Venice Stanley, Lady Digby" Van Dyck

Nampaknya wanita muda itu tidur dengan tenang. Walaupun begitu, ketika artis Flemish Anthony van Dyck pada tahun 1633 berusaha menyampaikan di atas kanvas semua keindahan bangsawan Venice Stanley, Lady Digby, dia sebenarnya melukis potret … mayat berusia dua hari yang terbaring di ranjang kematiannya.

Bingung dengan kesedihan apabila mengetahui bahawa isterinya telah mati secara tiba-tiba pada waktu malam, pada usia 33 tahun, suami Venice, Sir Kenelm Digby, meminta Van Dyck, pelukis pengadilan Raja Charles I, untuk melukis isterinya yang telah meninggal sebelum "pakar bedah dan koroner tiba."

Anthony van Dyck menulis Venice, Lady Digby di Tempat Tidurnya pada tahun 1633 - dua hari selepas wanita itu meninggal dalam tidurnya

Van Dijk mula bekerja, mengabaikan perubahan dahsyat yang berlaku pada tubuh manusia setelah mati. Di leher Venice yang pucat dan menawan, dia menarik kalung mutiara, dan di tepi lembaran ia menyebarkan kelopak mawar. Digby percaya bahawa lukisan karya Van Dyck, yang kini berada di Galeri Seni Dulwich di London, adalah kejayaan utama ciptaan artis tersebut. Menurutnya, "mawar" ini kelihatan "pudar" walaupun pada pandangan pertama dan seharusnya melambangkan kematian isterinya.

Walaupun sudah hampir 4 ratus tahun berlalu, masih ada desas-desus bahawa Digby, yang bukan sahaja seorang pengadilan dan diplomat, tetapi juga penemu dan alkemis, sendiri menyebabkan kematian isterinya. Ada yang mengatakan bahawa dia memberi Venesia campuran darah viper untuk diminum, yang dengannya dia berharap dapat mengekalkan keindahannya. Yang lain percaya bahawa dia membunuhnya karena cemburu - bagaimanapun, dia diduga pernah mengatakan tentang kelucahan Venice yang terkenal bahawa "seorang lelaki yang bijak dan kuat dapat membuat wanita yang jujur walaupun dari pekerja rumah bordil." Menariknya, walaupun bedah siasat dilakukan, hasilnya belum dapat dipastikan.

Namun, Digby mendapati dirinya hancur dengan kematian Venice. Dia menulis kepada saudaranya bahawa potret selepas kematian Van Dyck "adalah satu-satunya teman tetap saya sekarang. Dia berdiri sepanjang hari di hadapan kerusi dan meja saya … dan sepanjang malam di tepi katil. Ketika cahaya bulan samar jatuh ke atasnya, nampaknya saya benar-benar melihatnya mati."

Dengan kata lain, menurut surat Digby, lukisan minyak kecil Van Dyck, berukuran kurang dari satu meter persegi, telah menjadi penghiburan dan keselesaan bagi duda yang dilanda kesedihan. Sekiranya mawar dalam gambar itu memang merupakan "lambang" kealpaan kehidupan, gambar itu sendiri melambangkan apa yang boleh disebut sebagai seni kesedihan.

Sebagai tambahan kepada monumen pemakaman di gereja-gereja, yang dipasang terutama untuk mengenang si mati, tema kesedihan dalam seni Barat sebelum era Van Dyck, pada Zaman Pertengahan dan semasa Renaissance, sebagai peraturan, hanya terdapat dalam agama lukisan dan patung yang dikhaskan untuk kisah tragis kematian Kristus …

Pieta Michelangelo di Basilika Santo Petrus

Pieta marmar yang menakjubkan di Basilika Santo Petrus adalah satu-satunya karya arca yang pernah dia tandatangani. Dia menggambarkan Perawan Maria yang sedang berduka dengan Kristus yang mati terbaring di pangkuannya. Ini mungkin contoh yang paling terkenal, tetapi ada banyak yang lain. Sebagai contoh, seseorang dapat melukis sebuah lukisan oleh artis High Renaissance yang lain dan rakan Michelangelo, Sebastiano del Piombo. Menurut para pakar di Galeri Nasional, lukisan (di mana del Piombo bekerja dengan Michelangelo) "Ratapan Orang Kristus yang Mati" (c.1512-1516) adalah "pemandangan malam berskala besar pertama dalam sejarah", dan langitnya yang diterangi cahaya bulan sangat sesuai dengan suasana suram.

Pielang Michelangelo di Basilika Santo Petrus adalah versi terkenal dari salah satu gambar yang paling umum dalam Katolik: kesedihan Perawan Maria atas kematian anaknya

Sudah tentu, tema berkabung tradisional untuk Kristus telah digambarkan oleh banyak pengarang terkenal dalam sejarah seni, dari Giotto dan Mantegna hingga Rubens dan Rembrandt. Ini hanya beberapa dari ribuan seniman yang menggambarkan pemandangan alkitabiah ini dalam satu bentuk atau yang lain selama berabad-abad. Sesungguhnya, seni berkabung telah ada di mana-mana sehingga kadang-kadang orang lupa apa yang mereka lihat. Kurator pameran baru Rodin di British Museum baru-baru ini menerbitkan sebuah artikel yang menunjukkan bahawa arca terkenal Perancis The Thinker sebenarnya harus disebut The Mourner. "Perhatikan tangan dan dagu dengan teliti," kata Ian Jenkins, penguasa seni Yunani kuno. - Sekiranya orang ini memikirkan sesuatu, dia akan menutup dagu dengan tangannya dengan penuh perhatian. Tetapi dalam patung ini, tangan menyokong dagu. Dan di Yunani kuno itu adalah isyarat berkabung."

"Isle of the Dead" oleh Arnold Böcklin

Lukisan minyak di atas kayu oleh Arnold Böcklin "Isle of the Dead", 1880. Plotnya berdasarkan mitologi Yunani kuno. Lukisan itu mengilhami filem seram dengan nama yang sama oleh Jacques Tourneur

Sekiranya anda memasukkan perkataan "kesedihan" ke dalam mesin carian dalam talian di mana-mana muzium antarabangsa, ia akan menghasilkan banyak hasil. Sebagai contoh, di UK, pencarian kata kunci ini di laman web Tate Gallery mengembalikan 143 karya seni dengan tema kesedihan dan penderitaan dari masa yang berlainan.

Sebagai contoh, pada abad ke-18, para seniman mula melihat kesedihan dan kesedihan melalui prisma drama Shakespearean. Topik kegemaran adalah kematian anak perempuan Raja Lear, Cordelia. Pada abad ke-19, lukisan Ophelia (1851-52) yang sangat terperinci oleh John Everett Millais, yang mana model Elizabeth Siddal berpose selama beberapa jam setiap hari di tab mandi selama empat bulan, adalah ekspresi kesedihan visual yang terkenal dan sangat puitis. Gambar itu menggambarkan seorang wanita bangsawan Denmark dari Hamlet Shakespeare yang marah dengan kesedihan atas ayahnya yang dibunuh dan menenggelamkan dirinya di sungai.

Rodin's The Thinker

Ian Jenkins dari British Museum percaya Rodin's The Thinker harus digelar The Mourner kerana sosok itu meletakkan dagunya dengan kepalan tangan - tanda yang jelas bahawa orang itu ditarik dan tenggelam dalam kesedihannya sendiri.

Kesedihan adalah topik yang sangat penting bagi para seniman pada zaman Victoria, ketika "budaya berkabung" yang kompleks popular. Dalam Art of Death (1991), sejarawan seni Nigel Llewellyn menyatakan bahawa "budaya visual kematian yang mengagumkan" adalah ciri khas abad ke-19.

"Wanita Menangis" oleh Picasso

Pada abad ke-20, para seniman meneruskan tradisi nenek moyang Victoria mereka untuk menyatakan kesedihan dalam karya mereka. Mungkin contoh yang terbaik adalah Picasso's Weeping Woman (1937), yang dikaitkan dengan lukisan epiknya Guernica pada tahun yang sama, yang dilukis semasa Perang Saudara Sepanyol sebagai tindak balas terhadap pesawat Jerman mengebom sebuah bandar Basque. Guernica dianggap oleh banyak orang sebagai ungkapan utama kesedihan kolektif abad ke-20. Sudah tentu, terdapat banyak contoh lukisan lain abad ke-20, yang temanya berkaitan dengan kesedihan. Sebagai contoh, anda boleh mengingati sebuah lukisan kecil oleh Lucian Freud, yang dilukis olehnya pada tahun 1973 - potret ibunya, yang sedih dengan kematian suaminya.

"Triptych" oleh Francis Bacon

Francis Bacon melukis di panel kiri Triptych (Ogos 1972) kekasihnya George Dyer, yang membunuh diri

Triptych Francis Bacon, yang juga dipamerkan di Tate hari ini, berjaya menyentuh kesedihan peribadi dan umum. Salah satu yang disebut Black Triptychs Bacon dilukis selepas bunuh diri kekasihnya George Dyer, yang gambarnya dapat dilihat di panel kiri. Oleh itu, triptych adalah kesaksian yang tidak dapat dilupakan dan sangat peribadi mengenai penderitaan pelukis (yang, secara kebetulan, digambarkan di panel kanan).

Secara semula jadi, dua Perang Dunia pada abad ke-20 tidak dapat memberi kesan kepada seni. Pengkritik seni berpendapat bahawa perang mempunyai pengaruh besar terhadap cara para seniman menggambarkan kesedihan, dibandingkan dengan abad ke-19. Tidak seperti berkabung Victoria, di mana keluarga individu mengalami kesedihan individu, hampir setiap keluarga di Eropah tiba-tiba menderita.

Peringatan perang

Salah satu akibatnya adalah upaya resmi pemerintah untuk "menciptakan budaya visual yang sesuai untuk berkabung." Tokoh-tokoh pemakaman klasik dan kiasan yang sangat disukai oleh orang-orang Victoria telah ketinggalan zaman. Di tempat mereka terdapat peringatan perang yang lebih menekankan pengorbanan nasional dan bukannya kehilangan individu.

Peringatan Cenotaph War dekat Whitehall, London, yang dirancang oleh Edwin Lutyens, adalah contoh pola dasar pendekatan baru ini: Daripada tokoh manusia, ada keranda kosong yang dapat dikaitkan dengan mana-mana askar. Keluarga yang bersedih dapat menggunakannya sebagai simbol universal.

Taryn Simon membuat pemasangan "Occupation of Ross", yang dihadiri oleh 21 "pelayat profesional" dari pelbagai budaya

Keseragaman kesedihan masih menjadi tema yang ditangani oleh seniman kontemporari. Awal tahun ini, jurugambar Amerika, Taryn Simon mendapat ulasan hangat untuk pemasangannya secara langsung, Occupation of Loss, yang dipentaskan di sebuah dewan bawah tanah di utara London. Untuk karya itu, yang ditayangkan perdana di New York pada tahun 2016, Simon mengundang 21 "pelayat profesional" dari seluruh dunia, termasuk Albania, Azerbaijan, Ekuador, Ghana dan Venezuela. Para penonton dapat mendengar setiap wanita ini.