7 karya Hermitage yang patut dilihat pada tahun 2020

2024 Pengarang: Richard Flannagan | [email protected]. Diubah suai terakhir: 2023-12-16 00:13

Para saintis telah lama membuktikan bahawa seni mempunyai kesan yang baik terhadap kesihatan manusia dengan mengurangkan tahap kegelisahan dan tekanan dalam tubuh. Ini berlaku terutamanya untuk seni rupa dan perenungan yang indah. Oleh itu, agar tahun 2020 dipenuhi dengan keadaan tubuh dan roh yang baik, ada baiknya mengunjungi Hermitage dan melihat pameran muzium yang paling terkenal.

"Rasul Petrus dan Paulus" oleh El Greco

El Greco adalah salah satu artis paling terang dan asli. Asalnya, dia belajar melukis di Itali di bengkel Titian yang hebat. Dia belajar teknik minyak dari pujaannya dan juga terinspirasi oleh teknik seni Mannerisme Itali. El Greco menonjol di antara rakan-rakannya kerana keaslian gaya ekspresif secara dramatik. Dalam potretnya, dia memperhatikan ciri psikologi. Dalam lukisan ini dari Hermitage, artis mewakili dua jenis orang. Di sebelah kiri adalah Rasul Petrus, yang menafikan adanya Kristus tiga kali. Wajahnya menyampaikan kesedihan dan ketidakpastian, sementara gerakannya diwarnai dengan pertobatan dan permohonan. Rasul Paulus, yang, seperti yang anda ketahui, pada awalnya merupakan penganiaya Kristian yang bersemangat, dalam gambar itu menunjukkan semangat rohani dalam menegaskan kebenaran. Gerakan tangan yang membentuk pusat komposisi karya mengungkapkan dialog yang menyatukan kedua rasul.

Peter berambut abu-abu, dibungkus dengan jubah emas, memiringkan kepalanya ke sisi. Di tangan kirinya dia memegang simbolnya - kunci Kerajaan Syurga. Pavel menekan tangan kirinya dengan kuat ke kelantangan terbuka di atas meja, tangan kanannya naik memberi isyarat penjelasan ketika melihat langsung ke arah penonton. St Peter dan St Paul muncul berkali-kali dalam karya El Greco, dan mereka digambarkan dengan konsistensi yang mencolok. Artis itu selalu menunjukkan Petra dengan rambut kelabu dan janggut, dan dia sering memakai jubah kuning di atas jubah biru. Paul selalu sedikit botak, dengan rambut gelap dan janggut, dengan jubah merah di atas pakaian biru atau hijau.

"Penitent Mary Magdalene" oleh Titian

The Penitent Mary Magdalene adalah potret St. Mary Magdalene Titian dari sekitar tahun 1531, dengan tanda tangan 'TITIANUS' di kapal di sebelah kiri. Menurut plot, ini adalah seorang wanita dengan masa lalu yang hancur, yang, menurut Injil (Lukas 7, 36-50), datang ke rumah Simon orang Farisi untuk meminta pengampunan kepada Yesus. Ini adalah sosok feminin yang digambarkan oleh Titian dengan pukulan pekat tebal dan nada hangat. Palet menonjolkan mata yang luar biasa yang basah kuyup. Rambut berambut perang tembaga yang menutupi gambar itu ditulis dengan luar biasa. Tema Mary Magdalene yang bertobat, membesarkan matanya ke syurga, mendapat populariti besar di Itali pada abad ke-16 di kalangan bangsawan, pemimpin agama dan kelas menengah yang kaya. Kekurangan pakaian melambangkan penolakan orang Magdalena dari perhiasan, emas dan hobi duniawi demi iman kepada Kristus. Di samping itu, rambut keemasan dan keseluruhan sosok Magdalene memenuhi standard kecantikan Renaissance.

"Madonna Litta" oleh Leonardo da Vinci

Lukisan itu mendapat namanya dari keluarga bangsawan Milan, di mana koleksi itu ditemui pada hampir abad ke-19. Pada tahun 1865, Tsar Alexander II Rusia membeli kanvas untuk Pertapaan, di mana ia dipamerkan hingga hari ini. Karya ini menggambarkan Madonna menyusukan Anak Kristus. Perhatikan ketiadaan ghosting dalam gambar ini. Sebilangan kanvas Leonardo menunjukkan ciri yang sama. Angka-angka diatur dalam interior gelap dengan dua bukaan melengkung yang menunjukkan pemandangan lanskap pergunungan. Perincian menarik: di tengah gambar, di sebelah kiri Kristus, ada goldfinch, yang merupakan simbol keghairahan Kristus.

Perasaan kegembiraan keibuan dalam lukisan "Madonna Litta" digambarkan dengan senang hati kerana kekayaan gambaran Maria - di sini ia menemukan ekspresi matang terhadap kecantikan feminin Leonardo. Wajah Madonna yang lembut dan cantik memberikan kerohanian istimewa kepada mata yang separuh tertutup dan sedikit senyuman. Komposisi lukisan itu mencolok dalam kejelasan dan kesempurnaannya. The Madonna and Child adalah motif umum dalam seni Kristian pada Zaman Pertengahan dan terus memasuki Zaman Renaissance.

"Pemain kecapi" Caravaggio

Lukisan ini ditugaskan oleh Kardinal Francesco del Monte, yang melindungi artis. Caravaggio menggambarkan seorang pemuda yang terpesona oleh muzik: pandangannya penuh dengan inspirasi, jarinya melekat pada tali. Sosok seorang pemuda berbaju putih jelas kelihatan dengan latar belakang yang gelap. Pencahayaan sisi yang keras dan bayang-bayang yang jatuh memberikan objek dengan jumlah dan berat yang hampir dapat dilihat. Objek-objek yang diletakkan di dalam gambar tersebut membuktikan cinta seniman untuk dunia di sekelilingnya, keinginannya untuk benar-benar memperbanyak alam, untuk menyampaikan kualiti material dari setiap perincian. Pada buku nota yang terletak di hadapan pahlawan dengan kecapi, catatan pembukaan madrigal yang popular pada abad ke-16 "Anda tahu bahawa saya mencintaimu" ditulis.

Cinta sebagai tema karya ini juga ditunjukkan oleh objek lain. Contohnya, kecapi yang retak adalah kiasan cinta yang gagal. Pada awal kreativiti, Caravaggio sering memberikan ciri-ciri feminin kepada anak muda, yang, bagaimanapun, adalah tipikal seni Itali pada akhir abad ke-16. Sangat menarik bahawa pemuzik dari lukisan dari Hermitage sering disalah anggap sebagai seorang gadis, dan komposisi itu disebut "The Lute Player."

"The Lady in Blue" Thomas Gainsborough

Salah satu karya terbaik artis - "The Lady in Blue" - diciptakan oleh Gainsborough sebagai puncak kekuatan kreatifnya. Sosok wanita muda berpakaian terbuka yang diperbuat daripada kain putih telus dengan lembut menonjol dengan latar belakang gelap. Rambutnya yang serbuk digayakan menjadi gaya rambut yang unik. Keriting besar jatuh di atas bahu yang condong. Kesegaran wajah awet muda diserlahkan oleh bibir separuh terbuka dan mata gelap berbentuk badam. Dengan gerakan ringan tangan kanannya, dia memegang selendang sutera biru. Warna kelabu, kebiruan, merah jambu dan putih di sana-sini disempurnakan dengan coretan terang, dan membantu menyampaikan keanggunan dan keindahan model.

Keberanian teknik bergambar Gainsborough memukau orang-orang sezamannya. Oleh itu, Reynolds mencatat "tempat dan ciri aneh" dalam lukisan Gainsborough, "yang nampaknya lebih besar kemungkinan hasil daripada niat sedar." Tradisi bukan akademik inilah yang merupakan salah satu pencapaian terbesar Gainsborough. "The Lady in Blue" memasuki Pertapaan pada tahun 1916 dari koleksi A. 3. Khitrovo dengan wasiat.

Kembalinya Anak Yang Hilang oleh Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Karya seni alkitabiah ini sekali lagi mengesahkan status Rembrandt sebagai salah satu pelukis terbaik sepanjang masa dan yang paling hebat dari semua Tuan Tua dalam menggambarkan pemandangan Alkitab. Lukisan The Return of the Prodigal Son, yang disiapkan oleh seniman pada tahun-tahun terakhir hidupnya, menggambarkan pemandangan dari perumpamaan Lukas 15: 11–32. Menurut pengkritik seni yang terkenal, Kenneth Clarke, kanvas adalah salah satu lukisan terhebat sepanjang masa. Menurut plot itu, si ayah, seperti bapa saudara, meletakkan tangannya di bahu seorang penitam yang dicukur dan mengenakan pakaian usang. Matanya hampir ditutup. Tindakan pengampunan menjadi berkat dari sakramen yang hampir sakramen.

Ini adalah gambaran dengan kerohanian yang tinggi, bebas dari semua aspek anekdot, di mana semua pergerakan dan tindakan terhenti. Tempat kejadian menjunam ke dalam kegelapan, seperti terowong, dari mana wajah ayah dan anak sulungnya bersinar dengan pucat. Jubah merah mereka memberi kegelapan ini cahaya. Rembrandt telah berulang kali melukis tema anak lelaki yang hilang itu, tetapi dalam versi minyak monumental ini, dia mendapat yang paling menarik dan - berkat kontras dari anak sulung dan anak lelaki yang lebih muda (yang hilang) - rumusan psikologi yang paling sukar.

"Tarian" oleh Henri Matisse

"Dance" adalah salah satu karya Henri Matisse yang paling terkenal - sebuah kehidupan, kegembiraan, penolakan fizikal dan simbol seni kontemporari. Karya itu ditugaskan oleh pengumpul Rusia yang berpengaruh, Sergei Shchukin pada tahun 1909 untuk menghiasi rumahnya. Disifatkan oleh kesederhanaan dan tenaganya, pesta seni ini meninggalkan tanda kekal pada seni abad ke-20. Tarian ini ditulis pada puncak estetika Fauvist dan mewujudkan pembebasan tradisi seni Barat. Pilihan estetik Henri Matisse untuk lukisan ini menyebabkan skandal sebenar di salun seni pada tahun 1910. Kekemasan dan warna yang kasar memberi gambaran watak luar biasa untuk masa itu, yang di mata beberapa penonton kelihatan biadab.

Matisse hanya menggunakan tiga warna untuk menggambarkan tarian ini: biru, hijau dan merah. Sesuai dengan persatuan warna Fauvist tradisional, ketiga-tiga warna ini menghasilkan kontras yang kuat. Namun, tujuan Matisse bukanlah untuk mengejutkan penonton. Sebaliknya, dia berusaha untuk menyatukan orang antara satu sama lain dan dengan alam. Seperti yang dikatakan oleh artis, "Apa yang saya impikan adalah seni yang seimbang, bersih dan tenang yang dapat mengelakkan masalah atau kekecewaan."