Bagaimana lukisan oleh seniman terkenal menjadi sebahagian daripada fesyen, membentuk gaya baru abad kedua puluh

2024 Pengarang: Richard Flannagan | [email protected]. Diubah suai terakhir: 2023-12-16 00:13

Hubungan antara seni dan fesyen menentukan detik-detik tertentu dalam sejarah. Kedua-dua medium ini mencerminkan perubahan sosial, ekonomi dan politik dari tahun dua puluhan yang gemuruh hingga tahun lapan puluhan yang meriah. Berikut adalah empat contoh seniman dan pereka fesyen yang, melalui karya mereka, membantu membentuk perspektif baru mengenai seni dan fesyen abad ke-20.

1. Halston & Warhol: Persaudaraan Fesyen

Persahabatan antara Roy Halston dan Andy Warhol menentukan dunia seni. Kedua-dua Roy dan Andy adalah pemimpin yang membuka jalan untuk menjadikan artis / pereka menjadi selebriti. Mereka menghilangkan stigma dunia seni yang megah dan membawa fesyen dan gaya kepada orang ramai. Warhol menggunakan percetakan skrin sutera beberapa kali untuk membuat gambar. Walaupun ia pasti tidak menciptakan prosesnya, dia merevolusikan idea pengeluaran besar-besaran.

Roy menggunakan kain dan corak yang sederhana dan elegan namun glamor dengan penggunaan manik, ultras dan sutera. Dia adalah orang pertama yang menjadikan fesyen Amerika boleh diakses dan diinginkan. Kedua-duanya meninggalkan tanda akhir pada seni dan gaya sepanjang tahun 1960-an, 70-an dan 80-an, yang berterusan hingga ke hari ini.

Kedua-dua Roy dan Andy telah bekerjasama dalam pelbagai projek. Warhol membuat kempen iklan yang menampilkan pakaian Halston dan juga Halston sendiri. Sebagai gantinya, Halston menggunakan cetakan bunga Warhol dalam beberapa koleksi pakaiannya, dari gaun malam hingga set santai.

Roy menggunakan corak sederhana dalam pakaiannya, yang menjadikannya sangat berjaya. Mereka selesa dipakai, tetapi juga mempunyai sentuhan mewah berkat kain, warna dan cetakan. Warhol juga mempermudah bahan dan prosesnya. Ini menjadikannya lebih mudah untuk menghasilkan semula karyanya dan menjadikannya lebih laku.

Kejayaan komersial mempunyai cabaran tersendiri bagi kedua-dua artis. Halston adalah yang pertama bekerjasama dengan rangkaian runcit JCPenney pada tahun 1982 dan ini telah mempengaruhi kualiti jenamanya. Warhol juga mendapat kritikan, karena karyanya dianggap dangkal. Namun, kedua-duanya telah memodenkan penggunaan runcit dan pemasaran mereka di ruang masing-masing untuk membuat jenama untuk penjualan pasar besar-besaran.

Roy dan Andy sering menjadi pelawat ke Studio 54. Mereka mengadakan pesta, merancang dan menghasilkan karya untuk selebriti seperti Liza Minnelli, Bianca Jagger dan Elizabeth Taylor. Semua ini tercermin dalam karya mereka ketika mereka memberi inspirasi dan menentukan era disko pada tahun 1970-an.

Halston terkenal kerana membuat pakaian malam yang berkilauan. Roy meletakkan payet secara mendatar pada kain, menciptakan kesan berkilau dari bahan yang digunakannya untuk membuat pakaian mewah yang disukai oleh banyak wanita glamor.

Seri Warhol Diamond Dust Shoe juga menggambarkan kehidupan malam Studio 54 dan selebriti yang tinggal di sana. Debu berlian adalah yang dia gunakan di atas stensil atau lukisan, menciptakan elemen kedalaman tambahan untuk potongan itu. Dan kasutnya pada mulanya adalah idea untuk kempen iklan Halston. Bagaimanapun, kedua-duanya memberikan sumbangan besar terhadap fesyen, meninggalkan tanda kekal di belakang mereka. Malah, bahkan pada masa kini, banyak pereka moden diilhamkan oleh idea-idea Andy dan Roy, membuat koleksi hebat dengan gema masa lalu.

2. Sonia Delaunay: Apabila seni menjadi fesyen

Sonia Delaunay tidak hanya merevolusi bentuk baru Kubisme, tetapi juga memperkenalkan hubungan antara seni dan fesyen. Delaunay dan suaminya adalah pelopor Orphism dan bereksperimen dengan pelbagai bentuk abstraksi dalam seni. Dia adalah yang pertama seumpamanya menggunakan gaya artistiknya sendiri dan bergerak ke dunia fesyen dengan menggunakan reka bentuk, cetakan atau corak tekstil asalnya. Dia lebih dikenang untuk seni dan hubungannya dengan suaminya daripada fesyennya. Gayanya memainkan peranan penting pada tahun 1920-an, dan katalog pakaiannya lebih diingati untuk gambar dan rujukan pada seninya daripada pakaian itu sendiri. Bagi Sonya, ada dan tidak ada sempadan antara seni dan fesyen. Baginya, mereka adalah satu dan sama.

Dia memulakan perniagaan fesyennya pada tahun 1920-an, mencipta pakaian untuk pelanggan dan merancang kain untuk pengeluar. Sonya memanggil labelnya secara serentak dan melangkah lebih jauh dengan penggunaan warna dan corak pada pelbagai subjek. Kesamaan memainkan peranan penting dalam pekerjaannya, dan tekniknya yang tidak biasa mengingatkan pada selimut tambalan atau tekstil dari Eropah Timur: warna saling tumpang tindih, dan corak digunakan untuk mewujudkan harmoni dan irama. Tema-tema umum dia merangkumi kotak / segi empat tepat, segitiga dan garis pepenjuru atau sfera - semuanya bertindih dalam pelbagai reka bentuknya.

Delaunay adalah seorang wanita muda selama era Edward, ketika korset dan kesesuaian adalah norma. Ini berubah pada tahun 1920-an ketika wanita mulai memakai rok di atas lutut dan pakaian yang longgar dan sesuai. Aspek ini dapat dilihat dalam reka bentuk Delaunay dan dia sangat gemar membuat pakaian yang sesuai dengan keperluan wanita. Sonya mengembangkan pakaian renang yang memungkinkan wanita merasa lebih selesa, walaupun bermain sukan dan berenang. Dia meletakkan cetakannya pada mantel, kasut, topi dan juga kereta, menggunakan permukaan apa pun sebagai kanvas. Reka bentuknya mencipta kebebasan bergerak dan berekspresi melalui warna dan bentuk.

Sepanjang kariernya, dia terus berusaha dalam sesuatu yang baru, dan sebagai hasilnya, dia pindah ke pawagam dan teater. Sonia merancang kostum untuk Rene Le Somptier's The Little Parisian, sementara suaminya membuat set untuk filem itu. Dia gemar bentuk geometri, menggabungkan dan mencampurnya dengan cermat, mencipta corak pelik dan garis patah yang menjadi ciri khasnya.

3. Kerjasama antara Elsa Schiaparelli dan Salvador Dali

Avant-garde seni surealis digabungkan dengan peneraju fesyen surealis. Salvador Dali dan pereka fesyen Elsa Schiaparelli telah bekerjasama dan saling memberi inspirasi sepanjang karier mereka. Mereka mencipta penampilan ikonik seperti Lobster Dress, The Shoe Hat dan The Tear Dress yang mengejutkan dan memberi inspirasi kepada penonton dalam seni dan fesyen. Dali dan Schiaparelli membuka jalan untuk kolaborasi masa depan antara pereka fesyen dan artis, merapatkan jurang antara apa yang dianggap seni dan fesyen yang boleh dipakai. Dali menggunakan lobster sebagai tema berulang dalam karyanya dan berminat dengan anatomi mereka.

Dress "Omar" adalah karya bersama Elsa dan Dali, dan penciptaan mereka menimbulkan banyak kontroversi bukan hanya pada hari debutnya, tetapi juga setelahnya. Pertama, ia mempunyai korset dan rok organza putih. Pakaian yang tidak biasa itu benar-benar meletupkan dunia fesyen, menyebabkan banyak kontroversi mengenai skor ini. Penggunaan kain putih juga berbeza dengan warna merah lobster. Putih boleh dianggap dara atau melambangkan kesucian dibandingkan dengan warna merah, yang dapat berarti kelonggaran, kekuatan, atau bahaya.

Skeleton adalah tema lain yang terdapat dalam seni surealis dan telah digunakan dalam lebih banyak kolaborasi antara Dali dan Schiaparelli. Gaun Skeleton adalah yang pertama seumpamanya. Elsa menggunakan teknik yang disebut trapunto, di mana dua lapisan kain dijahit bersama-sama, membuat garis besar di mana pemukul disisipkan, sehingga menciptakan efek yang dinaikkan. Teknik ini menghasilkan permukaan bertekstur pada kain rata, memberikan ilusi bahawa tulang manusia menonjol melalui gaun itu. Ini menimbulkan skandal kerana gaun itu terbuat dari bahan elastik yang melekat pada kulit. Fantasi lukisan dan lukisan Dali terwujud dalam dunia pakaian Schiaparelli yang tidak nyata, yang hingga hari ini memberikan kesan yang sangat baik kepada penonton dan pereka.

4. Yves Saint Laurent: Pertembungan Seni dan Inspirasi

Di mana garis antara tiruan dan penghayatan? Pengkritik, penonton, artis dan pereka telah berjuang untuk menentukan di mana garis ini berjalan. Namun, ketika sampai di Yves Saint Laurent, niatnya tidak lebih dari sanjungan dan kekaguman terhadap para seniman dan lukisan yang dia gunakan sebagai inspirasi. Melihat portfolio yang luas, Saint Laurent terinspirasi oleh budaya dan seni dari seluruh dunia, yang berjaya dimasukkan ke dalam pakaiannya.

Walaupun Yves tidak pernah bertemu dengan para seniman yang memberi inspirasi kepadanya, itu tidak menghalangnya untuk membuat karya seni sebagai tanda menghormati mereka. Laurent mendapat inspirasi daripada artis seperti Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque dan Picasso. Dia adalah pengumpul seni dan mengumpulkan lukisan oleh Picasso dan Matisse, yang digantungnya di rumahnya.

Yves mengambil beberapa motif seni dan mengubahnya menjadi pakaian yang menakjubkan yang memberi penghormatan kepada beberapa artis kegemarannya. Tahun 1960-an adalah masa revolusi dan komersialisme, era baru fesyen dan seni. Projek Saint Laurent mendapat kejayaan komersial ketika dia mulai mendapat inspirasi dari seni pop dan abstraksi. Pada tahun 1965, dia mencipta dua puluh enam gaun yang diilhami oleh lukisan abstrak oleh Piet Mondrian. Gaun itu merangkumi penggunaan Mondrian dari bentuk sederhana dan warna primer yang berani. Yves menggunakan teknik di mana tidak ada jahitan yang terlihat di antara lapisan kain, yang memberikan kesan bahawa pakaian adalah satu keseluruhan. Saint Laurent mengambil seni Mondrian dari tahun 1920-an dan membuatnya dapat dipakai berbanding tahun 1960-an.

Gaun fesyen adalah contoh klasik gaya 1960-an. Pakaian itu mirip dengan pakaian tahun 1920-an yang kurang terkendali dan memiliki lengan dan hemis yang memperlihatkan tompok-tompok kulit yang besar. Siluet persegi Saint Laurent membuat wanita merasa ringan dan bebas. Ini juga mendorongnya mendapat inspirasi daripada artis seni pop seperti Tom Wesselman dan Andy Warhol. Dia membuat barisan reka bentuk yang diilhamkan oleh seni pop yang menampilkan siluet dan potongan pakaiannya. Ini mengenai mengatasi batasan apa itu abstraksi dalam seni dan pengkomersialan reka bentuk. Laurent menyatukan kedua idea ini untuk membuat pakaian untuk wanita yang bebas dan menarik bagi wanita moden.

Jaket Vincent Van Gogh Saint Laurent adalah contoh bagaimana Yves menggabungkan inspirasi artis dengan bakat reka bentuknya sendiri. Seperti pakaiannya yang lain, tema yang berkaitan dengan artis tidak disalin dan ditampal ke pakaian Saint Laurent. Sebagai gantinya, dia memilih untuk menggunakannya sebagai sumber inspirasi dan membuat karya yang mencerminkan gayanya sendiri. Jaket adalah contoh gaya tahun 80-an, yang disulam dengan bunga matahari dalam gaya Van Gogh yang indah.

Laurent telah bekerjasama dengan Maison Lesage, pemimpin dalam sulaman haute couture. Jaket "Bunga Matahari" disulam dengan manik tubular. Bunga-bunga dipenuhi dengan pelbagai warna berkilau oren dan kuning. Ini menghasilkan tekstur multidimensi yang serupa dengan teknik Van Gogh menerapkan cat tebal pada kanvas. Ia dianggarkan sebagai salah satu barang haute couture termahal yang pernah dibuat dan dijual di Christie's dengan harga hampir empat ratus ribu euro. Saint Laurent membuka jalan untuk memakai pakaian sebagai karya seni sendiri, tanpa mengira fesyen dan jangka masa.

Meneruskan topik, baca juga apa yang menyebabkan Saeko Yamaguchi berjaya, menjadikannya salah satu renungan Kenzo dan Yamamoto yang paling disukai.