Gaun terkenal dalam lukisan, dengan siapa dapat menilai apa fesyen era itu

2024 Pengarang: Richard Flannagan | [email protected]. Diubah suai terakhir: 2023-12-16 00:13

Sejak zaman dahulu lagi, seni dan fesyen saling mempengaruhi, memaksa pengkritik dan fesyen untuk mengikuti tren baru dengan tergesa-gesa menggantikan satu sama lain. Dan sementara ada yang menilai gambar dari segi ciri teknikal, yang lain berlari ke penjahit untuk segera mendapatkan gaun seperti pakaian wanita yang digambarkan di kanvas.

1. Renaissance

Renaissance adalah masa kebangkitan budaya dan seni kerana Classicisme membuat pulangan revolusioner kepada masyarakat Eropah. Namun, tempoh ini juga menyaksikan perubahan fesyen yang ketara. Lihat bagaimana pakaian terkenal dalam lukisan mempengaruhi fesyen semasa Renaissance.

"Potret Pasangan Arnolfini" oleh Jan van Eyck adalah salah satu elemen utama kajian kain dalam lukisan potret. Pakaian wol hijau zamrud wanita dan lengan berlapis ermine menunjukkan status keluarga, kerana hanya orang kaya yang mampu membeli kain seperti ini. Bulu, sutera, beludru dan bulu jarang dihasilkan dan lebih mahal daripada kapas atau linen, dan merupakan simbol status dan kekayaan. Salah satu persoalan yang paling kontroversial mengenai lukisan itu ialah sama ada wanita yang digambarkan (mungkin isteri Arnolfini) hamil. Rok Renaissance begitu rimbun dan berat sehingga wanita mengangkatnya sehingga lebih mudah bergerak.

Lipatan gaun melengkung yang ditambahkan juga menunjukkan kecenderungan untuk menggambarkan wanita dengan perutnya yang jelas, kerana ia mengisyaratkan untuk mengandung anak-anak semasa perkahwinan. Contoh lain dari ini adalah Les Très Riches Heures du Duc de Berry oleh saudara Limburg. Dalam kedua gambar tersebut, wanita digambarkan dengan perut yang lebih bulat. The Book of Hours of the Duke of Berry yang mengagumkan menggambarkan perkahwinan, dan ia setanding dengan potret Arnolfini, kerana kedua-dua wanita memproyeksikan gambaran keibuan sebagai jangkaan kehamilan. Tanpa melihat lukisan dari perspektif moden, seseorang dapat melihatnya sebagai catatan mengenai apa yang dipakai oleh wanita dan apa yang penting untuk ditunjukkan oleh orang lain kepada orang lain.

2. Zaman Baroque dan Rococo

Zaman Baroque dan Rococo dicirikan oleh hiasan, dekadensi dan suka bermain yang indah. Kecenderungan ini menampakkan diri bukan hanya dalam seni, tetapi juga fesyen melalui perhiasan yang rumit dan pakaian mewah. Lihatlah beberapa pakaian yang diilhamkan oleh seni yang terkenal.

Perhatian artis yang tidak diketahui dengan terperinci dan berpakaian inilah yang menjadikan Elizabeth Clark Frick (Puan John Frick) dan Little Mary sebagai catatan penting mengenai New England Puritans. Dalam penampilan ini, Elizabeth memakai kain dan aksesori Amerika yang cantik dari tahun 1600-an. Kolar renda putihnya menunjukkan renda Eropah yang popular yang terdapat di kalangan wanita bangsawan. Rok beludru bersulam emas kelihatan dari bawah gaunnya, dan pita menghiasi lengan baju. Juga, seorang wanita mempunyai perhiasan: kalung mutiara, cincin emas dan gelang garnet, yang pada gilirannya berbicara tentang status dan kemakmuran. Lukisan ini menawarkan perspektif yang unik mengenai kehidupan puritan Elizabeth dan keluarganya.

Perlu diingat juga bahawa artis berjaya mencampurkan imej kekayaan dalam suasana sederhana. Lukisan itu dengan jelas memperlihatkan kekayaan Elizabeth, menonjolkan pakaian dan perhiasannya yang terbaik. Itu juga mencerminkan kekayaan suaminya, John Frick, yang mampu memenuhi keinginan isterinya dengan membeli pelbagai jenis pakaian dan perhiasannya. Sebagai tambahan, gambar itu melambangkan sikap puritan mereka yang bersyukur kepada Tuhan, kerana tanpa berkat-Nya mereka tidak akan dapat memperoleh kemewahan seperti itu.

The Swing oleh Jean-Honore Fragonard adalah contoh gaya Rococo dalam kalangan bangsawan Perancis. Lukisan itu ditugaskan secara peribadi ketika seorang pengadilan dari Perancis meminta artis itu melukis potretnya sendiri dan gambar perempuan simpanannya. Walaupun lukisan itu tersembunyi di balik pintu tertutup, gambar itu memperlihatkan kemewahan, kerahsiaan dan rahsia istana raja Perancis.

Gaun merah jambu pastel menonjol di antara taman yang rimbun dan menjadi pusat perhatian. Jean melukis gaun itu dengan sapuan berus yang longgar yang meniru rok lebar dan korset gaunnya yang mengacak-acak. Berusnya yang longgar sesuai dengan plot pemandangan taman yang indah ini yang penuh dengan gambaran yang menggoda dan aneh.

Lukisannya juga memperlihatkan arah aliran fesyen di gelanggang Perancis. Rococo melampaui fesyen, seni dan seni bina untuk mencipta sesuatu yang unik dari Perancis. Fesyen Rococo merangkumi fabrik yang paling mewah, termasuk sutera, pasta, corak renda dan bunga berwarna pastel, serta busur, permata, hiasan dan hiasan yang berlebihan untuk membuat penampilan yang akan diringkas oleh para istana dan tetamu. mempunyai kepala mereka. Gaya mendefinisikan perbezaan antara orang miskin dan kaya, kerana golongan bangsawan mampu memperoleh kemewahan kain dan perhiasan yang indah. Bagi wanita yang mengenakan pakaian yang diilhami oleh rococo, lukisan itu adalah lambang istana kerajaan Perancis sebelum revolusi.

3. Pakaian terkenal dalam lukisan abad XIX

Abad ke-19 menyaksikan pergeseran seni dari neoklasik ke modenisme awal, memberi jalan kepada gaya dan aliran pemikiran. Abad ini juga menyaksikan perubahan dalam fesyen. Teruskan membaca untuk melihat bagaimana lukisan itu mempengaruhi kemunculan gaun dan gaya terkenal yang kelihatan lebih moden daripada sebelumnya.

Art for Art dikaitkan dengan Symphony di White No. 1 oleh James Abbott McNeill Whistler, yang bermaksud memberi lukisan itu makna rohani. Pengkritik, bagaimanapun, tidak melihat semua ini, kerana lukisan itu menggambarkan perempuan simpanan artis itu, yang berpakaian putih terang. Akibatnya, potret ini menjadi skandal. Pada tahun 1800-an, pakaian wanita sering kali merangkumi rok crinoline yang terbuat dari besi. Wanita juga memakai korset di antara pelbagai jenis pakaian dalam yang lain agar dapat membuat skirt yang lebih lebar.

"Wanita berpakaian putih" adalah kebalikan dari apa yang bergaya dan berprofil tinggi pada masa itu. Gaun watak utama yang digambarkan dalam gambar adalah sejenis seluar dalam yang dapat dilihat oleh suami atau kekasih, kerana dipercayai bahawa pakaian seperti itu sangat mudah dilepas. Bagi Whistler, museanya menjadi bagian dari pemandangan yang menggembirakan mata. Dia menggambarkan Hiffernan ketika melihatnya, dan bagi penonton ketika itu, gambar itu membingungkan dan sedikit tidak senonoh. Namun, dengan kedatangan tahun 1900, pakaian seperti itu menjadi kebiasaan untuk pemakaian seharian.

James Tissot mencipta banyak lukisan yang menggambarkan fesyen wanita pada akhir tahun 1800-an. Dia mendahului fesyen Eropah dan terkenal kerana melukis subjeknya dengan mengambil kira trend fesyen terkini. Fesyen wanita mula berubah di kalangan wanita muda di Paris dan London pada akhir tahun 1800-an. Rok lebar dan berat pendahulunya Victoria digantikan dengan skirt yang lebih sempit dengan lipit bengkak di belakang.

Dalam lukisan "Miss Lloyd", wanita itu mengenakan gaun seperti yang dipakai oleh masyarakat pada masa itu, dengan menekankan bentuk pinggang dan jam pasir yang sempit. "Potret Kathleen Newton" (rakannya ketika itu) adalah kebalikan sepenuhnya dari gambar Miss Lloyd. Artis itu menggambarkan seorang wanita berpakaian seolah-olah dia memancarkan penderitaan dan hasutan. Walau bagaimanapun, kedua-dua wanita mempunyai daya tarikan dan misteri tersendiri yang mengelilingi mereka. Pakaian itu sendiri melambangkan perbezaan budaya popular pada masa itu. Satu gambar adalah tradisional dan konvensional, sementara yang lain secara terang-terangan intim dan skandal untuk penonton pada tahun 1800-an.

John Singer Sargent mencipta gambar seorang wanita, yang, walaupun tidak dapat diterima pada masanya, menjadi salah satu lukisannya yang paling dikenali dan dihormati. Ini adalah potret Madame Virginie Gautreau, kecantikan Amerika yang bercampur dengan masyarakat tinggi Perancis. Ini menimbulkan skandal sehingga John sendiri terpaksa meninggalkan Paris ke London.

Korsetnya sangat tajam ke arah perut bawah. Tali bahu yang tajam dan tebal dan manik-manik hampir tidak menutupi bahu dan memperlihatkan apa yang dianggap sebagai bahagian intim wanita, tidak sesuai untuk dipamerkan di depan umum. Setelah Sargent memaparkan lukisan itu di Paris Salon tahun 1884, gambar itu menimbulkan kemarahan para pengkritik dan penonton, kerana tidak wajar seorang wanita yang berkahwin dari kelas atasan berada dalam bentuk yang begitu provokatif. Nampaknya penonton di Salon bahawa pahlawan gambar itu memakai pakaian dalam, bukan pakaian. Dan reputasi Gautreau di mata orang mula merosot menjadi sifar, kerana banyak yang menganggapnya orang yang cabul. Akhirnya Sargent mengeluarkan namanya dari potret itu, menamakannya semula sebagai "Madame X".

4. Pakaian terkenal dalam lukisan abad kedua puluh

Seni pada abad kedua puluh memfokuskan pada abstraksi dan ekspresi, mengalami perubahan ketara dengan gaya dan tema baru. Ini juga membawa kepada penerokaan bentuk dan sintesis fesyen dan seni baru. Yang ditunjukkan di sini adalah pakaian terkenal yang terdapat dalam lukisan pada abad kedua puluh.

Gaun emas Adele Bloch-Bauer menonjol dari pakaian masyarakat tinggi pada zamannya. Alih-alih menggambarkan wanita kelas atasan bersantai di taman atau membaca di sofa, Klimt mengubah Adele menjadi sosok dunia lain. Gaunnya adalah sosok berpusing yang dipenuhi segitiga, mata, segi empat tepat, dan ikonografi. Tidak ada tanda-tanda korset tali lurus atau lapisan pakaian. Modern mengandungi tema alam semula jadi dan gambar mitos. Ini juga berlaku untuk fesyen bohemia, yang dipakai sendiri oleh Gustav dan digunakan dalam pelbagai lukisan lain.

Dia sering melukis gambar yang dibuat oleh pereka fesyen Emily Flege. Dia tidak begitu terkenal di dunia fesyen seperti sezaman atau pendahulunya, tetapi dia berjaya dalam mencipta fesyen untuk wanita pada zamannya. Kadang-kadang ia adalah kolaborasi, kerana Gustav menggunakan gaunnya yang terkenal di banyak lukisannya yang lain.

Tamara Lempicka mencipta potret yang meneroka kewanitaan dan kemerdekaan pada tahun 1920-an. Artis Art Deco terkenal dengan potret selebriti yang meneroka bentuk Kubisme yang bergaya dan digilap yang menjadi tanda dagangnya. Ira Perrault (teman rapat dan kemungkinan perempuan simpanan Lempicki) dilihat sebagai manifestasi literal muzik di La Musicienne. Apa yang menonjolkan gambar adalah gambaran gaun biru. Teknik pelakon bayangan kasar Tamara dengan palet warnanya yang kaya memberikan pergerakan pada gaun sehingga kelihatan terapung di udara. Baju pendek gaun dan lipatan yang mengalir masih mengingatkan pada fesyen 1920-an yang menjadi titik tolak fesyen wanita. Wanita memakai gaun yang memaparkan kaki dan lengan, dan rok lipit yang memudahkan tarian.

Tamara diilhamkan dan dipelajari oleh master Renaissance dan menggunakan tema serupa dengan pendekatan moden. Secara tradisional, warna biru dapat dilihat pada gaun Perawan Maria pada lukisan abad pertengahan atau Renaissance. Biru ultrasonik jarang berlaku dan digunakan untuk lukisan yang ketara.

Kain Mexico yang berwarna-warni dan buatan tangan ditenun menjadi karya Frida Kahlo. Dia memeluk pakaian ini sebagai bagian dari warisannya dan memakainya dalam banyak potret diri dan gambar. Gaun terkenal yang terdapat dalam The Two Fridas melambangkan ikatannya dengan kedua-dua belah warisan Eropah dan Mexico.

Frida di sebelah kiri mencerminkan didikannya dalam keluarga kelas menengah atas. Ayahnya berasal dari Jerman, dan kehidupan rumah tangga ketika kecil mengandung adat istiadat Barat. Renda putih gaun melambangkan gaya yang popular dalam fesyen Eropah. Versi kebaratan ini bertentangan dengan keinginan Frida sayap kanan untuk merangkul warisan Mexiconya dengan memakai pakaian tradisional. Pakaian ini adalah sesuatu yang digemari suaminya Diego Rivera, terutama dalam perjuangan mereka untuk menukar negara mereka. Pakaian itu menunjukkan kebanggaannya memakai pakaian tempatan dan tradisional dari Mexico.

Pakaian Kahlo adalah aspek penting dalam kehidupan dan pekerjaannya. Setelah dia dijangkiti polio ketika kecil dan satu kakinya menjadi lebih pendek daripada yang lain, rok berwarna menjadi cara baginya untuk menyembunyikan kakinya sedemikian rupa sehingga melindunginya dari pemeriksaan. Almari pakaian artis itu merangkumi gaun tehuana, blus huipil, rebozo, hiasan kepala bunga, dan perhiasan antik. Potongan pakaian ini untuk Kahlo adalah gambaran cinta, kesakitan dan penderitaannya, yang dia sertakan dalam karyanya.

Mengenai, bagaimana kimono telah berubah selama berabad-abad dan apa peranannya dalam seni dan fesyen moden, baca artikel seterusnya.